osdiasfelizes

2005-07-20T00:22:00.000+01:00

CRASH, EMBATE NO MEU CORPO NA NEVE

Este filme de Paul Haggis, em português Colisão (não confundir com o do Cronenberg) é muito, muito bom. está dito.

2005-07-19T23:45:00.000+01:00

ILUMINURA

Às tardes, o sol vinha muito baixo e as mãos gastavam as letras pelos dias iluminados, os livros poisados nas pernas como uma intromissão na estação engoliam as tardes sem licença, as letras bocas muito ferozes, às vezes doces, as tardes caídas sempre pelo voo dos pássaros à volta dos telhados onde ruíram vagas as casas todas pelos anos que fui em muitos verões.

2005-07-12T13:59:00.000+01:00

MÚSICA QUE ACORDA OS MORTOS

Ressuscitado depois de um sono criogénico, diga-se, um sono muito pouco feliz, regresso pelas mãos da lebre a uma qualquer pradaria

1. Total music volume in my computer:

não sei, perdi a conta, na verdade é tudo um pântano de pastas à procura de mim

2. The last CD I bought:

Não me lembro, mas foi qualquer coisa em saldo e sem plástico

4. Five songs I listen to a lot lately, or that mean a lot to me:

esta é complicada e quase, quase aleatória e aplica-se só à primeira parte

1 - lisa bassenge trio - like a virgen
2 - antony and the johnsons - the lake
3 - celso fonseca - um mundo estranho
4 - lowligths - dim star
5 - arcade fire - old flame

Starfour people to whom I'm passing the baton:

ninguém, o que pode ser uma infelicidade brutal, não é?

2004-11-07T23:10:00.000Z

NOSTALGIA

Por causa do post anterior fiquei com vontade de rever o Asas do Desejo.

Pois, nostalgia, carne e pedra.

2004-11-07T22:43:00.000Z

Ó WIM, A GENTE PERDOA-TE OS MAUS FILMES, PÁ

Desde sempre a música teve um papel preponderante no cinema de Wim Wenders, enquanto envolvência estética e perfeita comunicação com as imagens e o espectador, como por exemplo na obra prima que é Alice nas Cidades (e não é dos títulos de filmes mais bonitos de sempre?), com a magnifica banda sonora dos Can, ou nesse expoente máximo da obra de Wenders que é o Asas do Desejo (nota: passa hoje na RTP, em horário não avalizado) com a inesquecível presença do Nick Cave a cantar mesmo em frente dos nossos olhos, num circo decadente. E com a banda sonora de Until the end of the world, wenders logrou mesmo alcançar o grande público com uma BSO onde davam ares da sua graça nada mais nada menos que os nossos amiguinhos Talking Heads, a evanescente e angélico-kitsch Julee Cruise, o gajo mais feio da música ex-aquo com o Iggy Pop,, o Lou Reed, novamente os Can, os REM, o Elvis Costello, mais uma vez o Nick Cave & The Bad Seeds, os Depeche Mode, a Patti Smith, e os U2. Coisas bastantes comestíveis portanto (com excepção dos U2 que me dão um pouco de azia) e tudo num filme só, o que é obra. E, last but not the list, com o Buena Vista Social Club, Wenders entra decididamente na divulgação maciça da banda sonora, onde ressuscitou os Buena Vista do limbo onde já se preparavam para terminar os seus último serões, com o sucesso que se viu. E, mais aqui para o burgo, o homem anda se atirou de boca cheia aos Madredeus, com o Lisbon Story, com resultados bastante infelizes, mas que resultaram em mais um excelente disco da Teresa Salgueiro e companhia, que na altura não chateavam tanto a malta com o mar, a saudade e o infinito. Ora com o novo filme, Land Of Plenty, temos uma nova banda sonora recheada de coisas boas, o que não deixa de ser importante, até porque o filme apesar de escoreito, não deixa de ser bastante sensaborão e nada acrescentar à obra do cineasta, que de facto já conheceu melhores dias. E quanto à banda sonora? Ora tomem lá: Leonard Cohen (em dose dupla), David Bowie, Travis, e bastante surpresas, mais ou menos desconhecidas.Toca a ouvir, pois pois, se fecharem um bocadinho os olhos não importa nada.

Álbum da semana: Arve Henriksen – Chiaroescuro
Cover da semana: The Faint – Enola Gay
Tusa da semana: a Emilie Simon a cantar Flowers

2004-10-18T01:19:00.000+01:00

Acabado de chegar do encerramento da 5ª Festa do Cinema Francês, ainda em estado de choque pelo final brutal de Twentynine Palms, de Bruno Dumont, sinto-me imprestável para escrever qualquer linha. Assim, aproveito o embalo para dizer que o dito festival, para além de grandes filmes trouxe muito boa música. A saber: 5x2 do François Ozon, trouxe-nos o Paolo Conte (já em Sous Le Sable, os Portishead tinham uma presença avassaladora…), 2046 o último e esperado filme de Wong Kar-Wai (prodigioso, em versão remix de In The Mood For Love misturado com science fiction), detentor de mais uma banda sonora sensual e hipnótica, com Nat king Cole como mestre de cerimónia na China dos anos 60, embutido em cabarets pardacentos e hotéis de 3º categoria, Ils se marièrent et eurent beaucop d´infants, tem as improváveis combinações de Radiohead, Brad Mehldau, Velvet Underground e Sparklehorse (lembram-se do Good Morning Spider?), Immortel [ad vitam], de Bilal (Filme fabuloso, para fãs e não só…) com Alain Bashung, Julie London e Julie Delpy, entre falcões deuses e paridoras celestiais, Notre Musique do já meio demente Jean-Luc Godard, Meredith Monk e Arvo Pärt, meus preferidos entre vários distintos, e o já exibido comercialmente em Lisboa, na minha primeira sessão solitária de cinema (meia noite, eu as cadeiras e as pulgas), o imprescindível filme do Patrice Chéreau, O seu irmão, com a diva negra Marianne Faithfull. Como é que se diz that´s all folks em francês?

2004-10-03T03:50:00.000+01:00

PAPAR FILMES COMO PIPOCAS SALGADAS

Lisboa anda inundada de festivais, uns melhor do que outros, e com perspectivas e objectivos diferentes. Acabado de entrar em finados o Indie Lisboa, o 1º Festival Internacional de Cinema Independente aqui do burgo, já anda por aí a cheirar a 5ª Festa do Cinema Francês. Os dias felizes andam a papar filmes compulsivamente. Hoje foram mais dois, de enfiada, no encerramento do Indie, para compensar a dor de alma de não poder ir ver o Super Size Me:

Struggle

Austria 2003

Realização e Produção: Ruth Mader

Filme brutal em que a luta diária pela existência, quer material, quer afectiva, assume o caminho do desespero. Tem uma sequência inesquecível num matadouro de perus que faz qualquer um ir comer ervinhas para o campo. Violento, a possibilitar, no fim, um resto de alma. Gostei muito.

O meu voto: 4

Vibrator

Japão 2003

Realizador: Ryuichi Hiroki

Quando tudo o que se sente no corpo e na alma é um telemóvel a vibrar, resta tentarmos uma única tentativa de tocar o outro. E, se o filme não me tocou o coração é porque o vazio é assim mesmo. Road Movie japonês, entrecortado por cenas clínicas de sexo dentro de um camião, os vómitos da protagonista e o cabelo louro platinado do condutor da carripana com o qual parte numa viagem de 3 dias para entrega de mercadorias, saída directamente de um supermercado onde no fim regressa, e temperado com uma nostalgia sintética, Vibrator pode levar alguns espectadores menos pacientes a ficarem com os olhos em bico, pelo menos os que não cederem à tentação de cerrarem as pálpebras, aqui ou ali.

O meu voto: 3 (quase, quase a resvalar para o 2)

2004-09-28T01:40:00.000+01:00

UM FANTASMA CHAMADO WANDA

WANDA

Realizador: Barbara Loden

Actores:
Barbara Loden
Michael Higgins
Ano: 1971
Duração: 102 minutos
Género: Drama
Distribuidora: Atalanta Filmes
País de Origem: EUA

Wanda, de Barbara Loden, é um dos melhores filmes até há pouco tempo em cartaz. Objecto cinematográfico de uma singularidade enternecedora, magnificamente interpretado pela própria realizadora, Wanda é um filme de culto artesanal, de imagem granulosa, esbatido, como se ao ser projectado deixasse de si apenas uma sombra. Retrato de um desespero habitado no vazio da alma, este filme apanha-nos numa armadilha de nostalgia atormentada e obriga-nos a assistir, impotentes ao desaparecimento de um ser. Wanda, na realidade há muito deixou de existir e o que este filme nos deixa é fragmentos dessa existência, uma luz amarela num rosto inesquecível. Fiquei à beira das lágrimas. A ver só para quem entenda o cinema como parte da vida.

2004-09-28T01:31:00.000+01:00

À MEMÓRIA DO PAI

O Regresso

Rússia - 2003
105 min - Drama

Andrei Zvyagintsev (Realização)

Esta primeira obra de Andreï Zviaguintsev é proporcionalmente bela à capacidade de pronunciar e memorizar o imprenúnciavel e imemorizável nome do realizador russo que com este filme, à sombra tutelar de Tarkosvki, nos enche de uma clausura árida atormentada de beleza, memória, medo, revisitação e morte. Ao vê-lo, somos abalados por uma sucessão atordoante de imagens que nos perfuram a alma depois de entrarem pela pele adentro e nos reviram do avesso, sem concessão. Viagem iniciática pelo interior da identidade, O Regresso, é a história de dois irmãos, cujo regresso inesperado do pai, depois de uma ausência de 12 anos, vai provocar, de uma forma abrupta e misteriosa, o reencontro destes com a sua memória, numa descoberta solitária e incompleta do poder do afecto e do sangue, perturbada pelo medo e pela descoberta da morte. Metáfora sobre a incomunicabilidade, o passado, o amor e a redenção, O regresso, é um filme construído como um longo poema visual, de uma beleza desolada, onde as respostas não importam mais do que o olhar para lá da ausência.

2004-09-28T01:10:00.000+01:00

Regressam os dias felizes, saídos de um verão pardacento, maldoso, enganador. Ainda com a memória escondida no interior de dias frescos há muito regressei à cidade, mas fiquei escondido, à espera da vontade. Não fosse o cinema e teria morrido de desencontro com o meu passado breve.

2004-08-16T13:47:00.000+01:00

DISCOS DE VERÂO 3

O AMOR É UMA ESTAÇÂO E DEPOIS MORRE

SAVATH & SAVALAS
Apropa't
Warp Records 2004

Introducción
Te Quiero Pero Por Otro Lado...
Colores Sin Nombre
Balcón Sin Flores
A La Nit
Último Tren
Sol De Media Tarde
Um Girassol Da Cor De Seu Cabelo
Ràdio Llocs Espacials
Déjame
¿Por Qué Ella Vino?
Víctima Belleza
Interludio 44
Sigue Tu Camino (No Sabes Amar...)

Apropa't, de Savath & Savalas, o segundo álbum do projecto de Scott Herren, depois do intimista e igualmente frágil, Folk Songs For Trains, Trees & Honey, é um espaço de beleza e melancolia sombreada, onde todas as músicas, sem excepção, parecem trespassadas por um vento quase imperceptível, como um segredo que não se consegue dizer, porque as palavras não parecem importar, e a essência do amor não fosse mais do que um sussurro. Canção de balcão espanhol ao fim da tarde e sol catalão desanuviado pela brisa húmida de Barcelona, este disco é um conjunto de melodias que parecem fugir-nos, porque tendem a partir-se assim que se escutam, quebrando-se em várias camadas de sons frágeis e escondidos, como se assistíssemos a um jogo infantil e descobríssemos ao longe palavras e gestos que nos escapam, ou nos dedicássemos à observação de gestos num parque se sombras e os lancetássemos de luz, para tentar extrairmos o significado que nos escapa. Todo cantado em catalão, melhor dizer-se-á sussurrado, como se as palavras embarcassem em planadores e nos fugissem para o céu ou para as copas das árvores, com a excepção da magnifica versão da música "Um Girassol da Cor de Seu Cabelo", (da dupla brasileira Lô e Márcio Borges), todo o álbum é um repositório de situações amorosas e uma reflexão sobre a sombra e a luz que incidem sobre as passagens do amor, ao ritmo das estações, colectânea de esquissos intimistas, quase canções, melodias inacabadas. Retrata a relação amorosa entre Scott Herren e a cantora catalã que o acompanha neste disco, Eva Puyuelo Muns, cuja voz, doce e sussurrada, preenche as canções, entre o jogo suave das guitarras (baixinhas, baixinhas…), das concertinas, dos bajos sextos (uma espécie de violão com doze cordas) e harmoniums (um teclado antigo cujo som provem de uma sanfona operada pelo pé de quem o toca), e um polvilhado electrónico suave que se abate sobre as canções como uma espécie de calda doce, que se entranha por todas as canções e ambientes. Disco que entra pela janela do quarto, com as cortinas levantas pela brisa, enquanto deitados na cama escrevemos postais de amor com fotografias a sépia, dá-nos quase-canções tão bonitas como Balcón Sin Flores, A La Nit, Te Quiero Pero Por Otro Lado...e Sol De Media Tarde. Tal como Perry Blake fez, no magnífico albúm “Califórnia” (também em Califórnia se assiste à dissecação do estado amoroso de um casal e consequente separação…), o espaço amoroso entre os amantes, enquanto estado frágil, como um suspiro, ou um gotejar de fonte, é abalado pela própria natureza efémera da paixão, e pelo mundo que lhe é exterior, razão pela qual Scott Herren afirma, sobre este disco, concisa e pragmaticamente: "The songs on the album speak about aspects of love that don't go right.". Pequenas Cápsulas de luz mediterrânea aprisionadas em sussurros nostálgicos, suavemente texturados em Chicago pelo membro fundador dos Tortoise e pelo próprio Herren, é o que nos traz este fabuloso estado de espírito trespassado pela luz (sim, porque se trata de uma nostalgia luminosa, iluminada pelo sol da meia tarde…) que é Apropa't, de Savath & Savalas. O Disco termina com a melodia tristemente arrastada que é Sigue Tu Camino (No Sabes Amar...), retrato do fim do amor entre Scott e Eva, que se separaram após a feitura deste disco, autópsia do amor, sob a luz mediterrânica.

Um Girassol da Cor de Seu Cabelo

(Lô Borges e Márcio Borges)

Vento solar e estrelas do mar
A terra azul da cor de seu vestido
Vento solar e estrelas do mar
Você ainda quer morar comigo

Se eu cantar não chore não
É só poesia
Eu só preciso ter você por mais um dia
Ainda gosto de dançar, bom dia,
Como vai você?

Sol, girassol, verde vento solar
Você ainda quer morar comigo
Vento solar e estrelas do mar
Um girassol da cor de seu cabelo

Se eu morrer não chore não
É só a lua
É seu vestido cor de maravilha nua
Ainda moro nesta mesma rua,
Como vai você?
Você vem, ou será que é tarde demais?

O meu pensamento tem a cor de seu vestido
Ou um girassol que tem a cor de seu cabelo

2004-07-24T03:10:00.000+01:00

A MÂE-DEUS E O FILHO MASTURBADOR

Aviso à navegação: dado o período estival que se atravessa e perante a iminência de férias, esta crítica sobre o filme de Christophe Honoré, Ma Mère, não é para ser levada a sério. Toda a gente sabe que essa magnífica fonte de gelo expressiva que é Isabelle Huppert (sem dúvida a minha actriz preferida, desde que a vi, completamente abismado, em Malina, fabuloso filme de Werner Shroeter) pertence aos domínios do Inverno e o Verão começa a aquecer-me o corpo e a desviar-me o espírito para o centro do sol. O filme de Honoré, rasa a fundura do abismo, mas apesar disso não nos compele à queda. Exercício que se pretende brutal, falha no entanto no aprofundamento da ferida que deixa à superfície. Baseado no Livro de Bataille e no texto escandaloso e libertador de Ma Mère (publicado entre nós pelos Livros do Brasil, com o título Historia do Olho e minha Mãe) traz-nos um cenário hedonista (aqui o bordel do mundo é uma ilha turística), e moderno onde os corpos procuram a sua salvação e caminham na direcção do desejo e da morte, como na noite, o fazem as mariposas, em direcção à luz. Fala-se aqui, portanto do Eros e do Thanatos e das profundezas do espírito à superfície da carne, da libertação do desejo das entranhas onde parece esconder-se. Honoré filma aqui o sexo, no entanto, sem a mínima atracção pela sensualidade, o que resulta, quando a câmara procura os corpos, em planos onde esses mesmos corpos são retalhados (até pela forma abrupta do corte entre as cenas) na imagem, numa anti estética do erotismo e da pornografia, enquanto olhar. Aparentemente a acção desenrola-se entre uma afinidade incestuosa entre mãe e filho, que caminha progressivamente para um desfecho trágico, mas, sob a superfície, o que o filme nos traz é a morte do desejo pelo encontro inevitável com a morte. E o desejo, permitindo-se a perversidade, caminha para além dela, até ao fim do túnel onde se espera Deus. Deus que se encontra mais facilmente pelo desvio da carne do que pela purificação do espírito. História da perversão de um filho adolescente (Louis Garrel), pela mãe (a perturbadora Isabelle Huppert), o filme aborda a substituição de Deus pela mãe, igualando-se ambos na ausência. Significativa é a cena final em que o filho, ao observar o cadáver da mãe-substituida-a-Deus, se masturba e grita “mãe, eu não quero morrer.”.Minha Mãe, é pois um exercício de solidão e uma reflexão sobre a vida e a morte, sob o espelho do corpos. Isabelle Huppertt, apesar de aqui ou ali se pressentir que se encontra em velocidade de cruzeiro (sempre inultrapassável no entanto) enche o ecrã de um mau estar e de uma fragilidade embrutecida e Louis Garrel (fixe-se este jovem actor, que é um caso sério, apesar de parecer estar a especializar-se em cenas de masturbação), transmite uma inocência melancólica e convincente. Má Mère, é um filme que contudo ganharia se pudesse deslocar-se para fora das sombras da obra de Bataille e que poderia facilmente cair na enfatuação intelectual, sem as interpretações e os corpos de Huppert e Garrel. Para terminar, só quero dizer que afinal fiz uma critica mais invernosa do que pensava. Raios partam a Isabel Hupert!. Venham já duas margueritas , por favor.

2004-07-24T01:01:00.000+01:00

DISCOS DE VERÃO 2

Não resisti a acrescentar à lista outro album de Henri Salvador, assim, sem intervalo. Jazz, bossa nova, Keren Ann, Benjamin Biolay e muito açucar de cana incluido. existe melhor para o verão? a música jardin D´hiver é dedicada à minha amiga Lebre. Vamos ouvi-la um dia numa esplanda com janela sobre o mediterrâneo? O Inverno a estalar no meio do Verão.

HENRI SALVADOR
Chambre avec vue

Jardin d'hiver
Chambre avec vue
J'ai vu
Il fait dimanche
La muraille de Chine
Jazz Méditerranée
Un tour de manège
Vagabond
Je sais que tu sais
Mademoiselle
Le fou de la reine
Faire des ronds dans l'eau
Aime-moi

2004-07-23T13:59:00.000+01:00

A BARATA

Hoje, ao acordar, encontrei uma pequena barata morta entre os lençóis. Ontem, caiu-me em cima do peito A Metamorfose, do Kafka, arremessado com violência da prateleira por um Proust pesado e enciumado. Antes de ontem recomecei a minha leitura de a Paixão de G. H., esse fabuloso livro da Clarice Lispector. Tudo livros com baratas. Como não acredito em lirismos fortuitos e cruzamento de coincidências quotidianas como metáforas da existência, hoje vou dedicar-me a limpar o pó, a arrumar o armário dos sapatos e a renovar a luz dentro das caixas de cartão com fotografias. Ainda assim, pequei no pequeno Gregor com os dedos e deitei-o pela janela fora, com algum remorso.

2004-07-16T23:33:00.000+01:00

DISCOS DE VERÂO

Gosto da ideia de haver discos de Verão, assim como gosto do pensamento de haver discos de Inverno, discos de Outono, discos de Primavera. A mudança das estações, enganando-nos com a sensação de metamorfose que pomos no corpo e no espírito, possibilita-nos o engano de ir atravessando as estações como se fossem marcos importantes das nossas vidas que gostamos de recordar para sempre, como aos amores. No entanto, agrada-me pensar que existe um único Verão, um único Inverno, uma única Primavera e Outono, e que tudo o resto são simulacros, ilusões da nossa infelicidade ou tristeza. Assim, há que preencher as estações com música, discos, muitos discos, e deixarmo-nos iludir com a imensidão de muitas passagens pelo tempo, que, como afirma a Laurie Anderson, deveria ser em espiral, e não circular.Coisas da existência. Deixo aqui as minhas escolhas para este Verão, um de cada vez, entre discos novos e antigos, até ao Outono começar a mostrar a cor.

MA CHERE ET TENDRE
HENRI SALVADOR

1 - MA CHÈRE ET TENDRE
2 - VOUS
3 - C' ÉTAIT UN JOUR COMME LES AUTRES
4 - LE VOYAGE DANS LE BONHEUR
5 - TOI
6 - J' AI TANT RÊVÉ
7 - QUAND UN ARTISTE
8 - SANS TOI
9 - AILLEURS
10 - ITINÉRAIRE
11 - TU ES VENUE
12 - BORMES - LES - MIMOSAS
13 - DANS TES YEUX
14 - ALL I REALLY WANT IS LOVE

Condicões ideais de escuta:

Roupa: calções, camisa, roupa de linho, chapéu branco
Local: piscina, quarto com persianas cerradas, esplanada com vista sobre o mediterrâneo, ilha tropical, ex-colónia francesa
Horas: entre o fim da tarde e o começo da noite, de preferência com pôr-do-sol incluído; pode ser à noite se se estiver na praia ou na piscina
Companhia: imprescindível, mas pode ser substituída por uma revista de viagens
Duração: ouvir sempre de seguida, ou em caso de praia ou piscina, intercalar entre os banhos, mas nesse caso ouvir non stop, pelo menos durante 2 horas.
Actividades paralelas: fumar, cigarrilhas de preferência; sexo versão slow-core, livro pousado sobre o colo
Bebida: dry martinis

2004-07-14T23:53:00.000+01:00

ANTONIO GAMONEDA

La inexistencia es hueca como las máscaras y su visión es
lívida, pero tú oyes el grito de las madres del agua y acaricias
los ojos que vieron la inexistencia.

De "Libro del frío", 1992:
Pavana impura

2004-07-11T02:38:00.000+01:00

A PODRIDÃO DA ALMA

A FAMÍLIA SCHROFFENSTEIN
de Henrich von Kleist
Teatro do Bairro Alto - Cornucópia - (Lisboa)

“A desconfiança é a peste negra da alma”
A Família Schroffenstein, de Henrich von Kleist

Em cena até ao próximo dia 1 de Agosto, A Família Schroffenstein, peça do dramaturgo alemão Henrich von Kleist, magnificamente representada pelo Teatro da Cornucópia, e como habitualmente, encenada por Luís Miguel Cintra, conta também com cenários de Cristina Reis e Daniel Worm d'Assumpção, tendo sido traduzida do alemão por João Barrento. A Família Schroffenstein, constitui uma reflexão belíssima sobre a queda da alma ante o desejo, sob a insídia da suspeição e da vingança, o sacrifício do amor como redenção impossível de alcançar e a corrupção da natureza humana perante a inevitabilidade do destino, para onde a humanidade caminha, por sua própria perdição e ruína. Texto avassaladoramente pessimista, constitui uma obra-prima do romantismo alemão e simultaneamente uma reflexão sobre a danação humana e a impossibilidade da felicidade, retratando o falhanço dos ideais românticos perante uma sociedade inevitavelmente corrompida pela avidez, cobiça e posse. A peça de Kleist, sob um cenário medievo, rude, atravessado por luzes cruas e intensas, ou por uma escuridão dominadora, descreve, com uma eloquência e um lirismo exacerbados, eficazmente transposto do alemão para o português por João Barrento, a anatomia do processo de destruição da alma e a progressão do rancor no coração humano, como praga sem cura, aqui simbolizado pelo dedo mindinho decepado de uma criança, tenra de idade e recém afogada, origem de uma espiral de horror e assassinato sem sentido ou razão. Luís Miguel Cintra, atento a dificuldade desta peça, extremamente longa e densa, considerada frequentemente irrepresentável, opta por um encenação sóbria, monástica, acompanhando o minimalismo da cenografia, onde a palavra, como elemento de intriga, funciona como o despoletar de toda a tragédia e o lirismo presente em todo o texto o suporte sólido para o desempenho dos actores.

Um obscuro contrato celebrado entre os ramos de uma mesma família, os Rossitz e os Warwand, separadas geograficamente por um lago rodeado de montanhas, em que na falta de descendência de ambos os lados, o ramo familiar sem descendentes cederá ao outro a riqueza e o poder (que nunca surgem verdadeiramente nominados, quantificados, mas apenas como motivação abstracta dos actos, do despoletar do inconsciente sob a razão) surge como pretexto para o verdadeiro tema central da peça: a destruição progressiva do carácter pela angústia, pela dúvida, pelo rancor, como se a palavra pudesse ser um cancro que avança pelo corpo com uma única nominação (o nome, extraído, sob tortura, de um dos presumíveis assassínios do filho varão dos Rossitz ou o nome proferido por João, amigo de Otto) e o erro uma fagulha que acende o fogo, numa única faísca, queimando, em sofrimento, o coração humano, até à ruína e à cinza. Renovação do amor condenado, numa revisitação moderna de Romeu e Julieta, A Família Schroffenstein, debruçando-se sobre a inocência do amor, serve-se de ambos os amantes como cordeiros de morte, espaço sacrificial, ante-câmara da solidão e da condenação humana.Com efeito, ambos os amantes, travestidos, morrem trespassados pelos próprios pais, numa cena de comédia de enganos, que perversamente retira aos personagens a dignidade do drama, a imersão na metáfora da tragédia. O amor é impossível de resgatar o homem da perversidade e sucumbe à solidão humana e ao próprio destino traçado pela humanidade, onde a ausência de Deus torna impossível a libertação e a esperança. O erro, indissociável da palavra, como veneno, é destruidor da razão e permanece invisível ante o coração dos homens. Com efeito é um personagem cego que identifica o erro no reconhecimento do corpo dos filhos mortos que não são reconhecidos pelos próprios pais, que choram não já a morte dos filhos, mas a sua própria morte, o vazio existencial. Como escreveu Luís Miguel Cintra, a propósito desta peça “A dúvida destrói a personalidade, afasta o ser humano da natureza inicial, pura e generosa. A sociedade passa a mover-se numa teia absurda de negros pensamentos, inseguranças, remorsos, obsessões de vingança, cegas violências. E a palavra engendra o erro, afasta o homem de si próprio.

Henrich von Kleist (1777 – 1811), suicidou-se, aos 34 anos, com um tiro na boca, depois de ter disparado contra o peito canceroso da sua amante, na consumação de um pacto suicida.

2004-07-08T22:30:00.000+01:00

Fogo na Rebentação

Das embarcações atinge poucas casas
Habitadas
por terra enxuga finas línguas de areia
Tocam-te
Como eu queria na bandolete que pousas
No regaço
É muito dizer-te ou é pouco
- Amo-te.
Um osso de baleia numa fresta da montanha.

Gil de Carvalho,Tarantela & Viagens, 1998

2004-07-07T19:33:00.000+01:00

Sintomas:

coração: em estado acelerado
saco lacrimal:oleado
corpo:expectante
olhos:lubrificados
ouvidos: atentos
pulmões:em extensão

Causa: Lhasa de Sela, concerto hoje, às 22 h, em Lisboa

2004-07-04T03:38:00.000+01:00

UMA PEDRA NO CORAÇÃO

Primavera, Verão, Outono, Inverno… e Primavera
Coreia do Sul - 2003
103 min - Drama

Yeong-Su Oh (Actor / Actriz)
Kim Ki-Duk (Realização)
Kim Ki-Duk (Argumento)
Kim Ki-Duk (Actor / Actriz)
Jong-Ho Kim (Actor / Actriz)
Ha Yeo-Jin (Actor / Actriz)

I intend to portray the joy, anger, sorrow and pleasure of our lives through four seasons and through the life of a monk who lives in a temple surrounded only by nature on Jusan Pond. Five stories of Child Monk, Boy Monk, Adult Monk, Elderly Monk, and old Monk will coexist with images of each season. The changing qualities in living human beings, the meaning of maturity in our lives that are formed and how they develop, the cruelty of innocence, the obsession in desires, the pain in murderous intentions, and the emancipation in struggles …
Kim Ki-Duk

Por vezes existem imagens, cores, sons, silêncios, rostos, que nos entram pelos olhos adentro, contagiantes como uma doença, uma paixão que se apodere do corpo para perfurar a alma, uma racha no coração, que nos faz transbordar de claridade, luz e contemplação. O novo filme de Kim Ki-Duk, depois do visceral e atormentado "The Isle" afoga-nos num universo meditativo onde a natureza e o tempo assumem inexoravelmente um papel transcendente perante a fragilidade e efemeridade do homem, e onde a dor e o prazer, o conhecimento e a ignorância, a inocência e a morte, a obsessão e o desejo, se confrontam, perante a passividade eterna do céu, das árvores, das águas, das rochas e das montanhas. Filme de um lirismo extremo, avassalador, prende-nos para sempre os olhos ante a beleza de uma simplicidade extrema e devastadora, como se de repente a perfeição poderosa da natureza e dos seus ciclos imutáveis fosse algo que nos esmagasse e nos confortasse, matando as palavras, fazendo unir o silêncio à eterna serenidade da alma. Filme de uma simplicidade extrema, espiritual e religioso, onde o conhecimento e a libertação ascética iniciam o homem no conhecimento das verdades imutáveis da vida. Primavera, Verão, Outono, Inverno… e Primavera, filme de uma fotografia e luminosidade poética possante e envolvente, rouba, durante toda a sua duração, o espectador ao quotidiano da vida, envolvendo-o num estado encantatório, ondulante como o devir das estações no coração do tempo, entregando-o às montanhas, à neblina, às águas, à natureza primordial.

O palco de todo o filme é um enorme lago, rodeado de montanhas e coberto pelo céu, onde árvores milenares emergem vivas, semi afundadas nas águas, rodeado de uma vegetação verdejante, criaturas da natureza, regatos cristalinos, quedas de água e rochas agrestes. Da margem, duas portas de madeira, decoradas com duas figuras religiosas, abrem-se para o lago, como uma cortina que desvela a realidade e iniciam o espectador na passagem do tempo, entre as estações, distanciadas por vários anos, abrindo-se para os personagens e para o espectador, no início de cada estação. No meio do lago um pequeno templo budista, suspenso sob as águas, como uma ilha flutuante. No templo, um velho mestre budista e o seu discípulo, ao qual o velho monge procura ensinar as verdades essenciais da vida. É neste cenário, um templo de madeira no centro de um lago, onde duas figuras de pedra olham as margens, enquadrado por umas portas de madeira iniciáticas, que as personagens do filme vão interagir, deslocando-se num pequeno barco de madeira entre as margens do lago e o templo, ao ritmo das estações e da vida.

Na primeira estação, a Primavera, o velho mestre procura ensinar o seu discípulo, ainda criança, sobre os principais ensinamentos budistas e a inevitabilidade da dor. Figura omnipresente, o mestre budista contempla impassível, o despontar da perversidade infantil, ao observar o seu discípulo enrolar uma pedra, atada por um fio, primeiramente a um pequeno peixe, depois a uma rã e ainda a uma serpente. Atadas e obrigadas a carregar uma pedra, as pequenas criaturas da natureza, impossibilitadas de se moverem, sofrem, arrastando interminavelmente o peso da pedra. Na manhã seguinte, o velho monge, ata com uma corda uma pedra ao corpo da criança, seu protegido, seu discípulo, que imediatamente reconhece a maldade praticada. O monge diz-lhe então para encontrar e libertar os três animais do seu fardo, acrescentando que, se algum deles tiver morrido, carregará aquela pedra no seu coração para sempre. A criança, igualmente carregando a sua pedra, literalmente, encontra os três animas mas só um deles se encontra ainda vivo, pois o peixe encontra-se morto no fundo das águas e a serpente coberta de sangue, esfacelada nas pedras, também morta. A criança descobre então a inevitabilidade da dor e o fardo da vida, bem como a consequência no mundo de cada acção praticada, e chora, observada pelo mestre, no seu primeiro e brutal contacto com a dor. De uma simplicidade impressionante, e para além de qualquer mero ensinamento moral, toda a sequência, onde a intensidade emocional vive de pequenos apontamentos de uma fragilidade tormentosa, impõe-se pela violência do despontar da dor e do início do ciclo imutável da vida, onde o sofrimento e a morte, enquanto realidades dessa mesma vida, acompanharão para sempre o pequeno monge.

A segunda estação, o Verão, a que o espectador acede depois de abertas novamente as portas para o esplendoroso lago, como um ritual que se vai prolongar ao longo de todas as estações, apresentam-nos uma das mais belas sequências do filme onde o discípulo do mestre, agora com cerca de dezassete anos, vai perder a inocência e conhecer os prazeres do corpo com a rapariga que o velho monge aceitara, no templo, para curar de uma doença. Capítulo de uma enorme beleza, emocionalmente tocante, torna inesquecíveis os passeios de barco entre os adolescentes apaixonados, sob a luz das águas, os olhares trocados no exíguo espaço do templo, à noite, enquanto o mestre dorme, a chuva de verão, as cenas da cópula, (precedidas metaforicamente pelas duas cobras que o jovem discípulo encontra em acasalamento), entre as pedras, no barco, com a inocência do primeiro amor, sem troca de palavras, são extremamente simples, mas de uma eficácia comovente, pela naturalidade com que Kim Ki-Duk filma o progressivo envolvimento dos amantes. O capítulo, prenúncio da morte, termina com o regresso da rapariga à sua casa, já curada, e um novo ensinamento: a luxúria desperta o desejo de possuir, e a possessão conduz ao assassínio em defesa daquilo que se possui. O jovem discípulo, possuído pelo desejo, abandona o templo e o mestre e vai procurar no mundo a satisfação do prazer a que não consegue fugir e onde encontrará a perdição espiritual.

No terceiro capítulo, correspondente ao Outono, o jovem monge, já adulto, regressa ao templo, despido da inocência primordial, carregado de ódio e de sangue, pelo que passará por um processo de purificação, espiritual e corporal (fabulosa a imagem do corpo do discípulo pendurado por cordas e vergastado de sangue, suspenso no ar), antes de ser levado a cumprir uma pena como punição pelo assassínio cometido. Neste capítulo, é memorável a imagem quase surreal da pintura do Sutra libertador na madeira do chão do templo com a cauda do gato, e despois gravado na madeira com a faca do crime e posteriormente pintado como um quadro, uma caligrafia libertadora, uma oração em madeira. O capítulo termina com o auto imolamento do velho monge, no barco, sob uma pira de fogo, onde após a sua morte uma serpente desliza sob as águas, em direcção ao templo.

Na última estação, o Inverno, as portas abrem para um lago gelado, de uma beleza árida e impressionante, e assiste-se ao regresso do discípulo do velho monge, (aqui interpretado pelo próprio realizador) que avança para a redenção final e para o cumprimento do ciclo imutável do mundo, descobrindo o velho barco afundado sob o gelo e constatando a morte do mestre. Neste capítulo, encerra-se o ciclo, ao ser deixado ao seu cuidado uma criança, de tenra idade, que será o seu discípulo, à semelhança de si próprio. A mãe da criança, que morre afogada ao cair num buraco de gelo, vai precipitar a brutal redenção (aproximando-se aqui o budismo do catolicismo, num acto de contrição) do discípulo regressado que arrastará, atada ao seu corpo, uma enorme pedra pelas montanhas cobertas de neve, para ir depositar a estátua de uma divindade num rochedo de uma montanha distante, mas de onde se contempla o templo e as águas do lago, que ficarão sob o olhar da divindade, no ciclo imutável da natureza e na sucessão das estações. Consentâneo com a eternidade do ciclo da vida, o novo monge prepara-se para iniciar o seu papel, numa nova Primavera.

Primavera, Verão, Outono, Inverno… e Primavera, não é um filme perfeito, não será sequer uma obra-prima, mas perfura-nos de beleza e simplicidade, não escolhe o sempre perigoso didatismo religioso (lembre se que o realizador, católico de formação, inventou os cerimoniais budistas apresentados no filme, assim como as decorações e objectos do templo, que foi totalmente construído sob as suas indicações), é, sob a sua aparente simplicidade, dono de um simbolismo não imediato (por exemplo a cada estação corresponde um animal, na Primavera um cão, no Verão um galo, no Outono um gato, no Inverno uma serpente, e ainda no epilogo, uma tartaruga; a ausência de nomes para todas as personagens, o rosto escondido em panos da mulher que entrega o filho, a pedra como metáfora da dor existencial, mais do que física) e deslumbra-nos com uma espiritualidade a que acedemos sem fazer qualquer esforço e que abandonamos com dificuldade, quando o filme acaba, e as luzes da sala se acendem, como se ficássemos com uma ausência qualquer, uma dor indefinida, uma pedra no coração.

2004-06-26T13:27:00.000+01:00

Volto para informar a menina lebre que também já tenho bilhetes para a Lhasa.

2004-06-26T13:18:00.000+01:00

Osdiasfelizes 0 – P.J Harvey 4
Fura dels Baus 0 – P.J. Harvey 3
La Mala Educacion 1 – P.J. Harvey 2

Como qualquer alma incauta que se aventure nestes dias felizes, por mistérios do destino, à espera de encontrar algo em que vale a pena raspar os olhos, proclamo a morte oficial de qualquer tentativa, ainda que tímida, de escrever regularmente para este Blog, no qual me passeio à sombra do meu umbigo, (umbigo discreto, pois claro), sem protector solar, chapéu-de-sol ou qualquer outro artefacto veranil. O sol aqui é fraco e não queima a pele, sinto-me em casa.

Desiludido no entanto com os Fura Del Baus, que trouxeram a Portugal um trabalho frouxo e constrangedor, digno de ser apresentado na feira de Carcavelos ou qualquer outro ajuntamento sócio-cultural de massas. TVI com eles. Uma vergonha que me faz sentir velho, nostálgico. Que saudades da estufa fria!

Outra coisa que não me anda a encaixar bem é o novo filme do Almodóvar. Com muita pena minha pois gostava de escrever uma coisinha mais seria sobre o assunto. Travestis, operações plásticas, mamas, snifs de coca, overdoses, realizadores de cinema, escritores e editoras, personagens autênticas, enredos policiais, colégios religiosos, saras montieis e outros quejandos intermináveis não chegam para fazer um filme que me surpreenda. È mais duro sim senhor, e chega a roçar o excelente “ A lei do Desejo”, e os primórdios fabulosas de Almodôvar, mas não me alcançou o coração. Cinicamente underground para um público notoriamente mainstream, La Mala Education não é um mau filme de Almodôvar, mas é como fazer sempre sexo na mesma posição, para quem já experimentou o kamasutra: é chato, mecânico e dá caimbras. A não ser que seja uma primeira obra, claro está.

Almodôvar será sempre incapaz de um mau filme, ainda mais quando os dois últimos são obras primas fabulosas, e não tem de ceder a ninguém para além de si mesmo, mas para quem viu os primeiros filmes de Almodôvar, à época, La Mala Educacion não pode deixar de saber a refogado e a roupa-velha. Filme umbilical, destinado a homoerotizar em grande escala o rabo do rapazote do filme, aqui bastante aquém da grande interpretação que nos deixou no espectacular Amores Perros, de Alejandro González Inárritu e que revi há pouco tempo. Refiro-me ao actor e não ao rabo. Pronto, agora quem gostou do filme venha cá bater-me.

Mas, nem tudo é tristeza e comiseração nostálgica. Ando viciado no novo álbum da P. J Harvey, que, embora não sendo genial, faz entrar em mim doses alucinantes de boa música para as veias. Sexy, melancólico, agressivo, intimista, faz maravilhas pela alma.

Shame, shame, Shame

Shame is the Shadow of Love

2004-06-22T18:21:00.000+01:00

chegar a casa, abrir os pulmões.

2004-06-10T00:48:00.000+01:00

o melhor é reaparecer no silêncio, como se não tivesse sido nada.como a água que corre.os tornozelos são ossos muito frios.

Daniel Faria,
Explicação das Árvores e de Outros Animais 1998

Estranho é o sono que não te devolve.

Estranho é o sono que não te devolve.
Como é estrangeiro o sossego
de quem não espera recado.
Essa sombra como é a alma
de quem já só por dentro se ilumina
e surpreende
e por fora é
apenas peso de ser tarde.Como é
amargo não poder guardar-te
em chão mais próximo do coração.

2004-05-13T23:54:00.000+01:00

Perry Blake
Songs for someone

Títulos:
01/ We are not stars
02/ When i'm over you
03/ Lies, lies, lies
04/ The fox in the winter
05/ Ava
06/ Songs for someone
07/ You're not alone
08/ Native new yorker
09/ Tropic of cancer
10/ Travelling
11/ We couldn't decide
12/ The end of the affair
13/ Coming home

Já ouvi o novo disco do Perry Blake sacado directamente do soulseek para o coração. Confesso ter um amor inabalável pela música e pela voz deste homem, roçando a paixão. Fosse ainda adolescente e passaria tardes inteiras em enlevos homoeróticos com a voz de Blake, roçando as capas dos discos na pele trémula dos dedos, imitando às escuras as inflexões de falsete do irlandês, imaginando-me narcisicamente no palco, transformado em crooner borbulhento, pose decadente, metamorfoseado em lírico existencial, um sedutor de roupas de veludo. Passada a paixão que me provocou o primeiro e segundo álbum (“Perry Blake e “Still Life”), alcancei o estado amoroso eterno (já livre das tentações da carne) com o poço de beleza em que “Broken Statues” nos afunda. O primeiro arrufo, que surgiu com o “Califórnia” (álbum perverso de Blake na sua aparente ligeireza e que agora amo como os outros), depressa terminou e encontro-me de novo à mercê da pop sinfónico-lírica-barroca-nostálgica de Perry Blake. E, apesar de não se encontrar espinhos de beleza incrustados em canções como Blackbird, Genevieve ou The Hunchback of San Francisco, Songs for someone contém músicas cuidadosamente embrulhadas num tecido cristalino que penetram sob a superfície da pele e nos percorrem as veias, devagarinho, até ao deleite e à rendição, como Ava ou The Fox In The Snow. Algures entre o romantismo carregado de still Life e as melodias e os arranjos envenenados de Califórnia, Perry Blake regressa com um álbum destinado a recuperar amores perdidos e a fazer perder aqueles que, por um motivo qualquer, nunca se perderam. Ah, e vale a pena esperar para ouvir a faixa escondida do disco, e ouvir Perry Blake cantar, em estado de nudez: She´s beautiful, so beautiful, She´s beautiful and She´s mad, She´s beautiful, So Beautiful, She´s beautiful and She´s Sad, la la la lala la la lalala la la la la

2004-05-12T01:51:00.000+01:00

CREMASTER de Matthew Barney

Pronto, já não vou falar do ciclo cremaster que parece ter invadido a blogosfera alternativa cá do burgo e arredores. Splash blogosférido portanto. A coisa não foi para menos. Entre deleite e sofrimento, mais este último do que o primeiro, que abateu várias hostes de meninos e meninas alternativas, o cinema King, em Lisboa passou a integral do ciclo cremaster do artista plástico Mathew Barney. Experiência aterradora e desconfortável, os filmes de Barney de duração variável, desde os 40 minutos do cremaster 1 (fabuloso exercício de pregidistação asséptico-kitsh, como se Kubrick tivesse chocado com um dirigível cheio de purpurina) às infernais 3 horas do alucinado cremaster 3 (para muitos o opus de Barney), arrasam, com um só golpe, a consciência crítica do espectador e obrigam-no a mergulhar num mundo diferencial e paralelo à existência, ferindo-o, exortando-o ao caos, à destruição original da forma. Barney, na sua obra, mistura o sintético e o artificial, o simétrico e o disforme, conjugando a alternância de estados na transmutação da forma e, consequentemente do conteúdo. Próximo de algumas referências cinematográficas, (Kubrick, Greenaway, Jarman, Cronemberg), Barney procede à fusão sincrética da obra de arte, amalgamando no seu trabalho os mais variados conceitos e formas de representação, juntando o cinema, o video, as artes plásticas, a performance, a música e a dança, realizando experiências esteticamente avassaladoras, até à destruição do sentido original da forma e do corpo. Profundamente sexuado, a obra de barney orienta-se no entanto para um estado assexuado, onde se torna insignificante a divisão em géneros sexuais estabelecidos,procurando antes a fusão do corpo com o objecto sintético (como por exemplo a mulher com pernas de vidro, no cremaster 3) transformando-se no resultado dessa mesma fusão, para além da forma original estabelecida e nele se significando sem limite, para além da diferenciação sexual. Horrível, visceral, orgânico, e contudo capaz de arrojos estéticos magníficos (de salientar a presença do escultor Richard Serra, no topo da cadeia iniciática, no místico cremaster 3), e de inesquecíveis composições poéticas (as planícies de sal, as costas batidas pelas águas da ilha de Man, as geometrias fabulosas dos banhos de Budapeste), Matthew Barney conduz-nos, através de uma megalomania aparentemente demente aos limites da percepção possível. E é da agonia que depois partimos para a aventura da forma e para o seu seu significado. Uma nota final para o meu cremaster preferido (o cremaster 5) com a presença do rosto gélido e magnifico de Ursula Andress, na lasciva ópera de morte que Barney realizou, onde a música composta por Jonathan Bepler, de um lirismo visceral nos acompanha às profundezas da morte, e aí se liberta, como a queda num rio, no suícidio anunciado do amante. Fabuloso e inesquecível. Ame-se, mas principalmente odeie-se Barney, pelo que nos faz amar.

2004-05-07T00:17:00.000+01:00

osdiasfelizes afundam na areia.qual é o interesse de uma vida que me obriga a trocar dois belos bilhetes grátis para o concerto dos mum na Aula Magna por uma montanha de pápeis insignificantes com palavras insignificantes por motivos insignificantes? uma corda e uma árvore condigna, sff.

2004-05-02T01:35:00.000+01:00

Coelhos, Asfalto e melancolia

"The Brown Bunny", de Vincent Gallo

Ora aqui está uma proeza da qual poucos se conseguirão gabar; por a América no umbigo e ainda receber uma sessão de sexo oral da Chloe Sevigny e colocar toda a gente (intelectuais com óculos de aros pretos, críticos de cinema regionais, meninas em anseio de desfloração e velhinhas apanhadas de surpresa, entre outras categorias prováveis) a falar disso. E o filme é bom? não mas poderia ser se não estivesse contaminado pelo seu autor. É que temos de levar com vincent gallo até à exaustão. O filme é o corpo de gallo, as expressões sofridas de gallo, os cabelos de gallo, o gallo a conduzir, a lavar a cara em casas de banho de serviço, o gallo a andar de mota, o gallo a conduzir novamente, o galo em sofrimento existencial, os cabelos de gallo, o pénis de gallo, a melancolia de gallo, a solidão de gallo. Não fosse esta contaminação artificial, em pleno exercício narcisista de auto felação ( a Chloe Sevigny só entra para disfarçar) o filme poderia ser uma contemplação incisiva da solidão de um homem em travessia e em perda por uma América crua e desolada. assim, com gallo a transbordar do seu ego, o espectador sente-se invadido por um corpo que lhe é estranho. gallo é um sofredor mas o sofrimento dele, dandy, bacoco, estudado, não nos atinge, exceptuando umas quantas rapariguinhas em cio e em desvelo erótico sentimental. sim, o filme tem algumas coisas boas, mas é quando gallo nos salta para fora da vista ( como por exemplo quando gallo se afasta de moto, pelo deserto de sal, numa das sequências mais bonitas do filme), quando o asfalto se enche de música crepuscular e nos é devolvido o olhar. Exercício de melancolia artificial e trabalhada, o filme sofre por essa fabricação dramático-existêncial de um homem em desespero interno. Quanto à já famosa cena da felação diga-se que só é estragada pela voz de falsete melancólica irritante de gallo. O homem tem um pénis competente (a metáfora do coelho não é certamente sexual) e a Chloe Sevigny consegue o milagre de tornar a cena incrivelmente intensa e crua. fora isto temos o vazio de um homem que quer ser mais do que o seu pénis. alguém se lembra a melhor forma de comer um coelho de chocolate sem enjoar?

2004-04-23T01:30:00.000+01:00

o concerto dos tindersticks deixou-me em silêncio. é isto.

2004-04-15T22:50:00.000+01:00

os diasfelizes felizes voltam ao quotidiano depois da Pâscoa.voltar de férias é como passar a outra dimensão, custa, apetece reinventar os relógios, o modo de andar, os rostos dos outros, a cor das meias, o modo de fazer a barba.tiro os livros de férias das malas:o Depois da Bomba, do Philip K. Dick ( a velhinha colecção Argonauta de novo em acção), A Ilha dos Condenados, do Stig Dagerman, e o O Muro do Jean-Paul Sartre, estes dois últimos ainda por ler.hei-de ser sempre infeliz por não conseguir ler livros nos comboios.

amanhã:Tindersticks.

2004-04-06T00:14:00.000+01:00

I AM IN LOVE WITH A JAPONESE POP SINGER
Snow Bird (Cubic Music/Happy) 2003

o amor chega de Tokyo e apanhou-me desprevenido. não sei o que fazer. quero morrer-lhe nos braços, passear com ela em jardins minúsculos e floridos de flores roxas, atravessar pontes de madeira de mãos dadas de dedos entrelaçados, abrir uma loja de bonsais, retirar os livros do Mishima todos da prateleira, ver os filmes do Ozu até à exaustão, entrar num curso de arranjos florais, morrer-me, morrer-me por dentro só para a ouvir cantar e me salvar. a menina chama-se Piana e é a coisa mais bonita que já me aconteceu desde o primeiro beijo ou da primeira audição do Gardens Where We Feel Secure da Virgínia Astley. o disco chama-se Snow Bird e é editado pela Happy, uma label dedicada à divulgação da pop music alternativa Japonesa. Snow Bird, o primeiro disco de Piana, de nome verdadeiro Naoko Sasaki, é o primeiro lançamento da etiqueta, em reedição, e não poderia haver melhor estreia. o disco da menina é bonito de fazer doer os olhos com lágrimas felizes, perfuma o corpo com uma melancolia frágil, que nunca pensei ser possível existir sem se partir de imediato. Snow bird é um mundo inteiro de introspecção, beleza e delicadeza que nos envolve o corpo e nos transposta para um mundo distante, algures no coração. música feita de pele, ruídos celestiais e uma voz de envergonhar anjos e trupes inteiras de querubins, as canções de Piana deixam-nos prostrados de beleza e de simplicidade e têm um único destino possível: ser amadas para todo o sempre. é de referir ainda que a menina não só escreve, como toca, grava e produz todo o álbum. depois deste disco os dias felizes nunca mais serão os mesmos e têm um único desejo: apanhar o avião para Morioka, no Japão, onde a menina vive e depois morrer.

Piana
DISCOGRAPHY: SOLO WORKS
Snow Bird (Cubic Music/Happy) 2003

本作"snow bird"は、作詞・作曲、ヴォーカルはもちろん、レコーディングから
マスタリングに至る作業をほぼピアナ自身が一人で成し遂げた
正真正銘の意欲的なソロ・アルバムです（一部、岩下が参加）。
全編を通して漂う、少女の独白にも似た内省的な歌。
そしてそれを取り巻くように舞い散る、控えめで、
しかしどこかファニーなバックトラック。
それらは、ややもすると見逃してしまいそうな
世界の小さな機微たちを、彼女が自分自身の音楽という
みずみずしい掌でそっと、壊さないように掬い上げているかのように
聞こえるかもしれません。
ピアナが信じ夢想する、優しくもどこか危うい
ナチュラル・ボーン・エステティクスの世界を、
貴方自身のオープンな耳と感性で確かめてみてください。

2004-04-04T23:30:00.000+01:00

[V]IRÓTICA

[V]IRÓTICA é uma peça-performance que esteve em cena dias 1, 2 e 3 de Abril, no Teatro Nacional D.Maria II. A coisa prometia e os dias felizes foram todos contentes ver o que saíria desta colgaem de textos do Naked Lunch (1959) e Electronic Revolution (1971), do velho dandy beat W. Burroughs.Ao entrar no salão nobre do teatro, com os fulminantes lustres alumiados de azul marinho e os bustos bovino-pagões iluminados nas paredes, via-se uma mesa rodeada de laranjeiras, à laia de éden artificial, cheia de bocados de carne esquartejada, vulgo costoletas e outras miudezas,no meio de copos de água, jornais e outros adereços.No entanto, o que se passou depois, apesar da sempre interessante actuaçao da maria emília correia nao deixou de ser decepcionante.o que deveria ser uma interação entre a actuaçao dos dois músicos e a actriz, nunca chega a acontecer e o pretendido jogo cénico, músical e textual nunca toma efectivamente forma, limitando-se o espectador a seguir, com mais ou menos atenção, o corpo, a maior parte das vezes hirto, da actriz, e as palavras declamadas de Burroughs, pela voz particular da maria emília correia. convenhamos que, mesmo o lado cénico se apresenta empobrecido face às potencialidades plásticas dos textos de Burroughs, o que não deixa de ser um desperdício.Não basta recorrer ao escatológico como mero adereço, espetar peixes em lanças ou pretender chocar o espectador com xarope de groselha escarrado lentamente para um balde, para adaptar da forma mais conseguida as palavras provocadores e sempre ácidas de Burroughs.Se a palavra é um virus este contaminou muito pouco.pelo menos é escusado compramos antibiótico, até porque este é só para bactérias.Um bocadinho mais de literatura, drogas e sexo trangressor, sff, já que a originalidade escasseia.

2004-03-22T00:54:00.000Z

Fiant Lvminaria In Firmamento Celi

excerto de um livro perdido de Luis Manuel Gaspar

(...) Menina caída ao tanque,
não há cão vadio ou pedra certeira
que não replique nos lençois sua tez agoniada.
Quem a vai chamar, para outra vez se perder
com os olhos furtivos que apagam meia sombra?(...)

Lvminaria, Luis Manuel Gaspar, frenesi,1991

2004-03-20T02:42:00.000Z

O Coelho Da Pâscoa

The Passion of the Christ, de Mel Gibson

se viesse a conhecer o Mel Gibson, provavelmente detestá-lo –ia, fugiria da sua presença como o diabo da cruz, por-me-ia a milhas assim que pudesse. no entanto não posso deixar de lhe reconhecer uma coragem inaudita ao conceber, produzir e realizar este filme. a visão do filme de Gibson, profundamente maniqueísta, conservadora, religiosamente retrógrada, de um fanatismo religioso assumido dá-nos no entanto, sem margens para dúvidas, a verdadeira essência do cristianismo: pecado, sofrimento e expiação. o cristo gore de gibson, sem qualquer dimensão espiritual, procura unicamente retratar realisticamente o processo sacrificial do corpo de Cristo, sem grandes considerações espirituais ou envolvimentos dramáticos. a fraqueza do filme é assim a sua maior força, enquanto objecto cinematográfico, trazendo-nos uma visão crua e pornográfica da violência abatida sobre o corpo de cristo, obrigando-nos a participar nela a cada momento e sem concessões, sob pena de o filme nos passar ao lado, a observarmos com minúcia cada chaga, cada bocado arrancado à carne, cada golpe, cada flagelação, cada fustigação abatida sobre o corpo, até sucumbirmos à dimensão da carne supliciada e nos deixemos inundar inexoravelmente pelo sangue derramado. filme construído unicamente sobre o processo de crucificação de Jesus e destinado a violentar-nos internamente, e que faz uma apologia incondicional do sofrimento como instrumento de salvação do homem, é salvo do niilismo e da ignominia pelo contexto mítico das escrituras, pois, se retiramos o suporte religioso no qual se baseia o filme, estaríamos apenas em presença de um objecto fílmico sobre o processo realista do flagelamento e suplicio gratuitos de um corpo até à morte final pela crucificação. Gibson opta assim, por uma encenação teatral, artificial, rude, onde todos os personagens bíblicos, como por exemplo maria e maria magdalena, se destinam apenas a dar espessura física ao mecanismo de supliciação, servindo, perante os nosso olhos de meros condutores para o sofrimento incomensurável de Cristo, ora lavando o chão empapado de sangue com panos brancos ou beijando-lhe os pés ensanguentados. filme profundamente centrado nos aspectos sadomasoquistas do cristianismo, elege o corpo desfigurado de um Cristo sobre humano, reduzido à sua carnalidade ensanguentada, obrigando-nos a enfrentar o horror e a violência sem concessões. se não atendermos ao maniqueísmo cortante do filme, a paixão de Cristo constitui um filme único, destinado a ser odiado ou amado, mas com o enorme mérito de nos obrigar a enfrentar o horror da violência humana, independentemente de perspectivas religiosas. Um filme iconográfico, cru e terrível que possibilita uma reflexão cortante sobre a dor,a religião e o homem.

2004-03-17T00:20:00.000Z

perdemos as palavras. lentamente. carregadas de silêncios. uma a uma. em queda. por parágrafos. roçavam por tudo o que era substantivo. casa. tecto. quarto. cama. árvore. difíceis em noites atadas por nós. resistentes. de tal modo que abriram uma ferida vertical.falavas de muito longe. só tarde percebi que eras tu. fui o último a partir.

Emanuel de Sousa, Eurídice
Quetzal Editores

2004-03-13T02:29:00.000Z

Uma Campainha De Vento No Inverno

Uzak – Longínquo, de Nuri Bilge Ceylan

Este filme de um realizador turco, Nuri Bilge Ceylan, oferece-nos uma Istambul gélida, coberta pela neve, um rio pesaroso, as águas batidas nos paredões, espaços desertos com o lixo trazido pelo vento, atmosferas melancólicas onde a tristeza é no entanto vulgar encontrando-se nas mais ínfimas coisas, e nos faz sentir observadores do vazio, enquanto a cidade e os seus habitantes permanecem sós. Mahmut, fotógrafo na meia idade abandonado pelo desejo e pela vida caminha inexoravelmente para a solidão, deambulando solitário por bares, impotente perante as fugas afectivas e o soçobrar da memória, a perda de referências e um autismo crescente entre ele e o mundo. Mahmut troca TarkovskY pela pornografia, a arte pelo vazio interior, pelo não afecto. Condenado a fotografar azulejos para o catálogo de uma fábrica é confrontado com a crescente perca de referências e estagnação interior, intelectual, artística e afectiva. O declínio adivinhado de Mahmut contrasta com a inocência e sopro de vida que ainda se vislumbra em Yusuf, primo de Mahmut, que despedido da fábrica onde trabalhava decide vir a Istambul com o sonho de se tornar marinheiro, ganhar dinheiro e descobrir o mundo, acabando por se instalar na casa de Mahmut, invadindo-lhe o espaço e perturbando os seus rituais de solitário. Mas, rapidamente Yusuf descobrirá o lado impossível do sonho e pressente o medo, a incoerência de um mundo sem afecto e sem referências, nas suas deambulações erráticas por uma Istambul desolada e agreste. Yusuf, inadaptado e incapaz de penetrar no mundo fechado de Mahmut, parte finalmente, deixando Mahmut entregue à sua solidão, numa casa com vista para uma Istambul rude e cinzenta, entre a memória de Tarkosvky, o passado e um quotidiano anódino, embalada por um campainha de vento, à varanda, como uma voz que se pudesse interpor entre o vazio e a melancolia, o vulgar de um quotidiano perdido em si mesmo e o desespero.

2004-03-09T22:46:00.000Z

A Viagem

existe um dorso partido que separa as casas dos quintais, os cães ferrugentos a babarem bermas, nós a lanhar a curva, levemente a estalar, ardidos. o cigarro aceso à boca, os coelhos embutidos nos caminhos, insectos a explodirem no vidro, o meu braço picado dos cardos, o automóvel azul no meio do ar. nós feridos do azul imenso. eu a falar-te do céu como se fosse agora o suicídio das nuvens.

2004-03-09T00:08:00.000Z

A Biblioteca

gosto de livros antigos, livros com pó, livros destruídos pelo tempo. na semana passada visitei uma biblioteca assim, perdida no tempo.3 andares, estantes altas de madeira escura, paredes de pedra, o sol escondido numa clarabóia embaciada, as lombadas dos livros como acidentes na pele, cerrados em fileiras, as folhas amarelas, o cheiro. passo-lhes as mãos nas lombadas, sinto-os ásperos, vivos como animais, querem-me, chamam-me para junto de si. esperam, fechados, lombada com lombada, alguns tristes, tumulares, as palavras enterradas neles, as minhas mãos nas palavras deles. deixo-os. permanecem sob os mortos como uma última voz.

2004-03-05T02:12:00.000Z

O Pecado Sob As Águas

Mystic River, de Clint Eastwood

Os diasfelizes conseguiram finalmente ver o Mystic River. O cinema velho, as cadeiras já na terceira pele, o escuro poeirento, o café tomado no restaurante gorduroso em frente ajudaram a entrar no universo de uma Boston sorumbática, gélida e perversa onde as personagens de Eastwood se movem entre a vingança e o remorso, a culpa e a inocência, o pecado e a expiação. poderosamente atmosférico, o filme de Eastwood, oscilando entre o thriler e o filme negro, retrata sem pudor, a ténue linha existente entre a perversidade humana e o seu oposto, revelando-nos um intenso tecido cicatricial marcado pela dor, pela solidão e pelo ódio. mergulhando as personagens interpretadas magnificamente por Sean Penn, Tim Robbins, e Kevin Bacon num ciclo de violência interna, Eastwood retrata a profundidade do mal que aflora à superfície do quotidiano, habitáculo do mal, para o mergulhar depois sob as águas como se estas fossem um falso alívio, uma expiação, a continuação das sombras. o filme mais negro e desesperado do realizador e um dos melhores filmes do ano que passou.

2004-03-03T01:34:00.000Z

O Meu Corpo Como se Fosse O Cálice O Meu Sangue Como Se Fosse O Vinho

a Ana Paulo Inácio escreveu um dos livros de poesia mais bonitos que tenho na estante, pudesse eu te-lo no coração, que é bem maior do que um livro

na mão a faca luminosa
a mulher dirige-se
pla ogiva do portão
à guisa do vitral
o sangue faz-se vinho
no avental às flores as manchas
o vinho faz-se fel
no vívere morto separam-se os intestinos
jaz ainda quente o corpo
nas lajes o sol cai
na mulher exacata, o suor
cujas vértebras coladas contra a camisa

Ana Paula Inácio, As Vinhas de Meu Pai,Quasi Edições 2000

2004-02-28T00:28:00.000Z

mais uma sexta feira

devo ser a única alma que pede certidões da conservatória do registo predial às 23:46 horas de uma sexta feira.tenho um problema com as sextas feiras, confesso.tenho-lhes medo.chego a casa e depois fico assim, paralisado, nem consigo tirar a roupa da semana, responder aos mails, regar a bonsai,dar comer aos peixes.não sei o que se passa.a minha teoria é que é por causa da calvície.

o disco da jolie holland - catalpa, é magnífico.

2004-02-27T00:37:00.000Z

sou perseguido por jornais.acumulam-se na minha vida como uma
praga.guardo tudo.nunca consigo lêr nada.por vezes tenho ataques sádicos e leio 15 ou 20 de uma vez, numa tarde de sábado.faço recortes.leio noticias com 3 meses de atraso, descubro exposições magníficas que já não estão em cartaz, entrevistas fabulosas sobre assuntos que já perderam a importância, notícias sobre pessoas vivas que entretanto já morreram.às vezes entro em pânico e destruo tudo, dou à vizinha para embrulhar o peixe e o cocó do cão.muitas vezes arrependo-me e volto atrás, chego a ir ao lixo à procura de uma crítica de música que afinal era tudo para mim, de um nome de alguém que afinal me faz sentido, de uma fotografia, de um texto sobre um filme.eu odeio jornais,mas não posso passar sem o cheiro da tinta, sem o ritual.os jornais deveriam ser objectos de arte, intocáveis, coisas para pendurar na parede, memoriais, diários de vida, coisas fora do quotidiano.gostava de poder contar tudo isto à minha vizinha que embrulha o peixe com a morte dos outros, todos os dias, sem ninguém saber.

2004-02-21T00:41:00.000Z

Se isto não tornar um homem vegetariano, o que tornará?

hoje de manhã choquei contra um homem do talho, ao virar uma esquina.daqueles de batas brancas cheias de sangue, restos de carne, lambuzados de patas de perú, bofes de vaca, vísceras de porco.cheio de farelos de carne no casaco fiquei perfumado a carne, a comer tangerinas até ao fim da noite.é triste levar com um lombo de porco em cima.quem sabe receitas de saladas só com rebentos de soja?

2004-02-19T01:09:00.000Z

hoje não há Blog.doíem-me os ouvidos, a parte interior dos ossos, a cabeça, as plaquetas sanguíneas, os pontos negros, o céu da boca, o polegar esquerdo e a maça de adão. em suma, estou escangalhado.acontece, não é?

2004-02-17T23:21:00.000Z

Do Pai, do Filho, do Irmão, do Amor e do Sangue Deles

Pai e Filho, de Alexander Sokurov
O Seu Irmão, de Patrice Chéreau
O Grande Peixe, de Tim Burton

Destes três filmes unidos pelo signo do sangue, pela exploração profunda do universo masculino entre homens que partilham o mesmo sangue, pulsante, físico, por vezes brutal, geralmente pouco explorado pelo cinema, só o filme de Tim Burton se encontra ainda infelizmente em exibição. Pai e Filho, segundo tomo da trilogia familiar encetada por Sokurov com o portentoso e inesquecível Mãe e Filho, com exibição discreta em Lisboa, só para aficionados do herdeiro de Tarkovsky, é um filme único, encerrado sob a sua própria beleza como o amor do pai pelo filho e do filho pelo pai se confina ao universo fechado do seu próprio afecto e passa para o lado do mito, do impossível, do inexpugnável, porque mais nada importa para além dele. Filmado como se a luz opaca fosse a alma que assenta sobre os corpos e os fizesse dialogar entre si, surpreendentemente físicos, como um só corpo, o outro de si. Sukurov, com Pai e Filho realiza um filme que se vê e sente quase como uma experiência religiosa. Se o erotismo da magnífica cena inicial com a fusão dos corpos nus dos actores, envolvidos fortemente num feixe de carne, veias, sombras e respiração animal é campo de uma representação assumidamente corpórea, como se um nascesse do outro, a cena funcionando como a representação física do amor filial, serve apenas, para além da óbvia provocação estética, como forma de diminuir a distância que medeia um corpo do outro corpo e os aproximar da unidade da alma, de um mundo interior que nos escapa. Cineasta espiritual por definição, Sukurov filma a história do amor filial entre um pai e um filho pertencente a um plano mítico inatingível ao comum dos mortais, com laivos biblícos, como um longo e austero poema visual, recorrendo a uma Lisboa transfigurada em cidade russa, com uma beleza e luz que não lhe julgaríamos possíveis, utilizando como recurso estético primordial neste filme as influências da pintura de Turner e de outros pintores da escola europeia do Século XIX. Morta a Mãe, pai e filho vivem a memória da ausência, prenúncio da separação ou do reencontro do outro, inseparáveis no amor e afastados pelo medo. Inesquecíveis os corpos dos actores, o do pai, de uma carnalidade brutal, muscular e rude e o do filho, belo, límpido e sacrificial, no filme mais espiritual de Sukurov.

O Seu Irmão, de Patrice Chéreau é já um dos melhores filmes estreados em Portugal em 2004, com uma exibição mais do que discreta nos circuitos comerciais e destinado a ser pertença apenas de alguns. Debruçando-se, como em Pai e Filho sobre o amor entre dois homens pertencentes à mesma família, neste caso dois irmãos, Chéreau leva-nos a uma viagem brutal à degradação de um corpo que caminha impotente em direcção à morte, não como mero exercício de revolta mas como desejo de vida, num realismo cru e directo, sem complacências ou concessões estéticas. Thomas procura Luc quando sabe que pode morrer a qualquer instante, vítima de uma doença sanguínea incurável. Luc, o irmão mais novo, reencontrando o irmão acompanha-o no doloroso processo de morte, assistindo à degradação do corpo de Thomas e permitindo-se amá-lo na doença, encara a sua própria morte e os seus próprios medos, revendo-se no corpo do irmão, partilhando-lhe o sangue, o afecto e o amor. Impressionante a cena em que as auxiliares de enfermaria preparam, sob o olhar de Luc, o corpo nu de Thomas para a operação, virando-o, rapando-lhe os pêlos do peito, das pernas, do púbis, como se este fosse uma mera metáfora humana, um corpo esvaziado e reduzido à irrredutibilidade da doença. Thomas, partilhando o mesmo sangue de Luc, mas marcado pela inevitabilidade do fim, procura neste a última plataforma do amor, antes de ceder à morte e rebentar em sangue contra as rochas batidas pelo mar, porque ainda habitado pela vida.

O Grande Peixe, de Tim Burton, retoma o universo particular do realizador,apresentando-nos um filme que oscila entre a estranheza, a fábula e o sentimental. Burton, debruça-se, na essência, sobre o reencontro de um filho com o pai, sobre a herança afectiva, a identidade e a memória da infância, o aceitar do amor, da distância e do outro, intercalando o melodrama com o eclodir de uma realidade alternativa que vai abrindo progressivamente uma fissura na realidade anódina do quotidiano, constituindo o let motiv do desenrolar da acção, contanto a verdadeira, ou noutro perspectiva, a falsa história de Edward Bloom.Tim Burton, realiza assim um filme de pendor estranhamente clássico, entrando com contenção nos caminhos do melodramático, maravilhosamente inclassificável, que nos arrasta para um caleidoscópio fabuloso de histórias e imagens de contos de fada onde Ewan McGregor, no papel de Edward Bloom, caixeiro viajante, vive as mais fantásticas aventuras, misturando o imaginário das histórias infantis com o surreal, o kitsch e o espaço mítico. É soberba a cena final em que o filho, aceitando finalmente o pai, perde as referências racionais e assiste à morte deste numa cama de hospital, subjugando finalmente a realidade à emoção, carregando o corpo do pai nos braços, para o levar a morrer simbolicamente no rio, como uma fábula onde a morte não existisse e fosse apenas um grande peixe nadando eternamente sob as águas.

2004-02-17T11:09:00.000Z

antes de arrumar o livro do Capinan fragmento dois poemas:

No meu espelho há uma face que me olha
e não me vê (...)

(...) Os que fogem são implacavelmente perseguidos
para fora de seus espelhos partidos.

hoje cortei-me a fazer a barba. o sangue devolve-me a imagem.empapa o algodão.

hoje prometo-me ser mais eu no quotidiano.hoje prometo-me rasgar o dia para fora dos outros.hoje prometo-me cantar o sangue.

2004-02-17T01:37:00.000Z

revejo livros antigos, poemas que nunca li ou que esqueci, poetas fora de ordem, sensações que perdi de coisas que se perderam de mim, fotografias em sépia, rostos,espelhos que nunca parti porque tinham a imagem de ti.este poema do capinan faz-me lembrar o summer dress dos red house painters.dou-to.

Quero te dar um vestido com um desenho que ainda
não sei como será
Penso frutas, dragões, sereias
Fantasias que nem ainda sei bordar
Mas quero te dar um vestido, quem sabe de areia
Quem sabe de uma linha que não se saiba cozer
Penso te dar um vestido bordado de ambos os lados
do querer
Nem te quero vestir
Nem quero que o vejas nem que o queiras talvez
quero te dar um vestido que a minha alma deseja

In Confissões de Narciso, José Carlos Capinan

2004-02-14T00:11:00.000Z

as sextas-feiras à noite são aterradoras.

2004-02-13T21:33:00.000Z

a minha amiga lebre está doente.se pudesse dava-lhe um arrozal novo com paisagem ao fundo e três ramos de tílias frescas.

vida intensa e breve, pensou a lebre, correndo sobre as
ervas do mundo.

José Agostinho Batista
in Biografia

2004-02-12T18:50:00.000Z

chega-se a casa, tira-se a farda, o fato, a gabardine, descalçam-se os sapatos, a gravata, poisa-se a pasta, limpam-se os óculos, olha-se a cama ainda desfeita, a casa entardecida pelo fim do dia, o cão, as escadas de madeira, o cheiro familiar da sala, o quotidiano doméstico.tenho saudades de chegar a casa e esconder o tabaco, tirar o piercing da orelha, atirar a roupa ao chão, ouvir os bauhaus, agarrar-me ao telefone durante horas, andar descalço, vestir as levis rotas, a t-shirt velha dos joy divison, ficar parado com as minhas coisas, ler as tuas cartas,sentir-me inteiro durante a noite inteira, e ainda depois, e depois, e depois.

2004-02-12T00:25:00.000Z

hoje comprei uns sapatos novos.detesto comprar sapatos novos.

tenho nas mãos um livro do Luis Cernuda:

Sentado sobre um golfo de sombra vais sendo já sombra tu todo.Sombra a tua cabeça, sombra o teu ventre, sombra a tua vida mesma.

o album: sufjan stevens - greetings from michigan the great lakes state

2004-02-11T01:26:00.000Z

o meu sistema operativo recupera de um cancro terminal.os dias felizes voltam como um pneu recauchutado.

Maria, espero que a tua share reserve novas surpresas.já não consigo passar sem ela.

2004-02-01T15:39:00.000Z

ontem foi um dia estranho.fui vêr os the great lesbian show, desgraçei a minha humanidade num Mcdonald´s, estive a ver fotografias do Nepal, destruí sem querer o meu relógio-puzzle de cartão,descobri que o jorge reis-sá, da quasi, é fanático dos Queen,fui perseguido por um elvis presley em miniatura, andei sozinho durante meia hora debaixo de chuva, pisei o cão quando cheguei a casa e tirei do soulseek a banda com o nome mais feio de todos os tempos, os Charalambides.o albûm chama-se Unknow Spin e entra-se nele como num Inverno baixinho.recomendo.

ontem, afinal, não vomitei.a Formosa está salva.

2004-01-30T20:50:00.000Z

desconfio que a comida chinesa dos shopings centers (isto é muito anos 80 não é?) trazem malefícios insondáveis para a humanidade.neste preciso momento sinto-me destruido, tenho a cabeça a explodir xau ming, caril, algas liofilizadas e protótipos químicos experimentais a utilizar contra a Formosa, em 2004.o existencialismo no estômago, deus me livre se não prefiro o outro. se por milagre não vomitar entre este e o próximo post aviso.ah, o homem do círculo de leitores acabou de trazer-me o Sodoma e Gomorra do Proust;logo agora que nem os livros do jorge gomes miranda consigo lêr.

2004-01-29T01:08:00.000Z

Maria, obrigado pelos Lady & Bird.acho que vou ficar viciado como tu.depois dá-me o nome do blog onde indecentemente roubas os poemas da Forugh Farrokhzad.e vai ver o Lost In Translation.parece impossível como um filme tão leve começa a ganhar-me peso a cada dia que passa.é bom afundar assim.

2004-01-26T00:22:00.000Z

Lost In Translation, da Sofia Coppola (não consigo fixar o texto em português), não me fez esquecer a melancolia granulosa do Virgin Suicides, mas agarra a mesma beleza frágil, como um sopro que nos vem assombrar; um filme sempre sob os olhos de Sofia, filtrado para nos mostrar o fundo da alma à superfíce das coisas.é um filme adulto mas que não quer crescer como as adolescentes fantasmáticas do Virgin Suicides;um homem e uma mulher em crise existencial, uma cidade, um hotel frio como a morte, e a música, ainda por cima boa, dos air, da peaches e dos jesus and mary chain.é assim o amor no meio do vidro.just like honey.

2004-01-24T21:37:00.000Z

Aleksandr Sokurov é um dos meus realizadores preferidos. finalmente estreou Pai e Filho. acho que também vou ter medo de gritar. murmurar os meus medos para a água corrente, disso, já não sei se serei capaz.

2004-01-24T21:35:00.000Z

este é um mau dia para criar um blog.é um mau dia para tudo o que não seja abrir um livro e desaparecer dentro dele.